Libri e manuali sull'arte rinascimentale

Come funziona il laboratorio della creazione artistica nell'Italia del Rinascimento? Qual è il gioco delle parti fra artista, committente, "consiglieri" e "amici" dell'uno e dell'altro? Quale il loro rapporto col pubblico? Queste le domande che Salvatore Settis, nel saggio che dà il titolo a questo volume, apparso nel 1981 negli "Annali della storia d'Italia Einaudi", pone a numerosi artisti, da Giorgione a Mantegna, da Leonardo a Leon Battista Alberti, da Michelangelo a Vasari. Un insieme di casi concreti, guardati da vicino con l'ausilio di contratti, lettere e altri documenti contemporanei, consente di descrivere e analizzare le pratiche socio-culturali che articolano il rapporto committente-artista, esplorandone le dinamiche ed evidenziandone le costanti. Settis mette cosi a fuoco la distribuzione dei ruoli nel processo di creazione di un'immagine, ma anche il progressivo accrescersi dello spazio operativo dell'artista, il suo impadronirsi dell'"invenzione" che all'origine faceva parte dell'"intenzione" del committente. Tre saggi su Giorgione (fra cui una nuova interpretazione della Pala di Castelfranco) chiudono il cerchio, tornando a un artista il cui rapporto con la committenza è, per la scarsezza di documentazione diretta, oggetto di studio particolarmente stimolante. (Postfazione di Antonio Pinelli)

Come la natura, la cultura ha un vitale bisogno di circolazione d' aria e di fertilizzarsi con innesti e contaminazioni. Tra il 1978 e il 1981 Salvatore Settis, che fino ad allora aveva circoscritto il proprio campo d' azione quasi esclusivamente all' archeologia classica, irrompe fragorosamente nel chiuso recinto disciplinare della storia dell' arte moderna, provocando un salutare scossone di ordine metodologico con una raffica di saggi, tutti pubblicati dalla Einaudi, uno dei quali in particolare - La «Tempesta» interpretata. Giorgione, i committenti, il soggetto - suscita un vivacissimo dibattito, che ne decreta un sensazionale successo editoriale. In quegli anni la storia dell' arte viveva in Italia una fase ricca di tensioni ma assai vitale, che vedeva contrapporsi due scuole facenti capo a maestri carismatici quali Longhi e Argan sul diverso modo di affrontare la questione centrale dello stile. I longhiani, il cui orizzonte di studi era prevalentemente assorbito dall' obiettivo di identificare e interpretare la peculiare cifra stilistica di ciascun artista, si affidavano in via privilegiata a quella trama di indagini documentarie e di osservazioni visive che innerva l' esercizio attribuzionistico della connoisseurship, mentre gli arganiani, assimilando di fatto lo stile a una «poetica», si concentravano soprattutto sulla lettura in controluce dei possibili moventi culturali e ideologici sottesi alle diverse opzioni stilistiche, valorizzando la trattatisticae le eventuali dichiarazioni di poetica degli artisti, ma anche le indagini sull' ambiente culturale, politico e religioso dell' artista preso in esame. Si trattava di approcci opposti, benché sotterraneamente accomunati dal persistere - al fondo di entrambi - di una remota matrice idealistica, basata sulla convinzione che l' artista sia sostanzialmente libero di autodeterminare le proprie scelte stilistiche. Semplificando all' osso, e ricorrendo all' arma impropria ma efficace della caricatura, si potrebbe dire che dei due metodi, l' uno riduce l' artista alla sola «mano», l' altro al solo «cervello». (...) L' irruzione di Settis nell' arena della storia dell' arte si innestò fecondamente all' interno delle sue componenti più dinamiche, allora raccolte attorno alla febbrile attività editoriale delle «Grandi opere» della Einaudi, portando una poderosa ventata di aria nuova. (...) La «Tempesta» interpretata aggredisce proprio il tema della presunta «libertà» dell' artista, sottoponendo due celebri capolavori giorgioneschi a uno stringente assedio ermeneutico, condotto con le armi della seriazione iconografica e della ricostruzione dell' originario contesto culturale, che ne disvela la natura di soggetti artatamente nascosti per renderli comprensibili a pochi, frutto della complice intesa tra artista e committente. (...) In Artisti e committenti fra Quattro e Cinquecento, saggio che dà il titolo all' odierna pubblicazione, Settis risale dal particolare al generale, partendo dall' analisi di una serie di casi concreti per dedurne le costanti e le variabili che regolano, nel Rinascimento, il rapporto e l' interazione tra artisti e committenti. Interazione che spesso è mediata (non senza possibili frizioni tra le parti in causa) da un terzo soggetto, in genere un umanista, che interpreta i desideri del committente, traducendoli in un programma iconografico, basato sulle formule e sui modi di articolazione del discorso tramandati dalla retorica classica, che l' artista è a sua volta chiamato a tradurre in immagini. Nell' industria, quando si vuol carpire i segreti di un prodotto della concorrenza, si pratica il reverse engineering, ovvero, si smonta pezzo dopo pezzo l' oggetto, ripercorrendone a ritroso il processo produttivo, per ricavarne la logica costruttiva e la filosofia progettuale. Coniugando gli spunti offerti dal saggio di Settis alla pratica del reverse engineering, anni fa ho idealmente «smontato» una serie di cicli decorativi rinascimentali, estrapolandone gli elementi comuni per ricavarne un modello interpretativo in grado di aiutarci a compiere quella che Gombrich definiva la retroversione dall' opera d' arte al programma. Affinando tale modello, si può infatti rendere meno empirici i nostri sforzi di decifrazione dei messaggi affidati a cicli figurativi di cui ci rimane la sola testimonianza visiva, evitando le vane e arbitrarie fantasie della cosiddetta «iconologia selvaggia».
ANTONIO PINELLI

Lungo un arco di generazioni che va dall'inizio del Quattrocento alla fine del Cinquecento, il Rinascimento italiano è nella storia del mondo una delle epoche più esaltanti dello spirito e della mente dell'uomo. La meravigliosa testimonianza dell'arte ci ha lasciato immagini appassionanti, in un percorso che va dagli ori dell'ultimo gotico alla scoperta della prospettiva, dalla scienza geometrica al lusso delle corti, dalla competizione tra i grandi maestri alla diffusione dell'arte sul territorio, fino alle raffinatezze del manierismo e alla grande pittura sacra. In questo spettacolare volume sono raccolti alcuni dei massimi capolavori del Rinascimento italiano, seguendo una successione cronologica, ma con una scelta editoriale particolare: avvicinare l'occhio del lettore alle opere attraverso riproduzioni di un formato finora mai visto, per "entrare" quasi fisicamente in contatto con i dipinti, scoprire i loro segreti, mettersi di fianco agli artisti in una posizione privilegiata e ravvicinata. Attraverso una selezione di opere celeberrime e di capolavori "nascosti", muovendosi tra le grandi capitali dell'arte e affascinanti luoghi "di provincia", il lettore potrà immergersi nelle raffinatezze di tecniche e di materiali dei maestri dell'ultimo gotico, come Gentile da Fabriano e Pisanello; individuare "dal vivo" la logica costruttiva su cui si fonda lo spettacolare risultato delle tarsie dello studiolo del duca di Urbino o il rigore intellettuale di Piero della Francesca.

Les Borgia ont marqué l'imaginaire collectif et ont, aujourd'hui encore, une réputation sulfureuse. Mais au delà de cette part d'ombre, ils furent, dans la seconde moitié du XVe siècle, de grands mécènes des arts de leur temps, soutenant Le Pinturicchio, Michel-Ange ou Léonard de Vinci.

Septembre 2014 - 36 pages

L’Italia è un tesoro a cielo aperto. Più volte Vittorio Sgarbi ce lo ha detto e mostrato. In questo secondo volume, continua il viaggio in Italia che aveva interrotto al Trecento, per continuare con Maestri dell’arte del Rinascimento che sono noti in tutto il mondo: da Piero della Francesca a Bellini, da Mantegna a Bramante, per arrivare a Tiziano, Lotto, Pontormo. Accanto ai Maestri, però, ci sono anche quei tesori che solo Vittorio Sgarbi conosce e che punteggiano l’Italia senza che molti lo sappiano: Bartolomeo della Gatta, Nicolò Alunno, Giovanni Boccati, maestro delle favole, Francesco di Bettino, ai limiti della follia.

lafeltrinelli

Nata a Ferrara nel 1474 e morta a Mantova nel 1539, Isabella d'Este è ormai un mito nella storia della raffinatezza, della civiltà, dell'arte e delle vicende politiche europee. Di lei hanno scritto moltissimi, spesso a proposito ed ancor più spesso a sproposito. La leggenda relativa all'Estense prese corpo mentre ella ancora viveva, e sono moltissimi i riferimenti reperibili nei documenti coevi sulle sue doti politiche, sul suo senso estetico nonché sul suo indomabile carattere, volitivo e caparbio. Basta sfogliare i rapporti degli ambasciatori del tempo, con particolare riferimento al carteggio degli "oratori" veneti, per trovare giudizi che la riguardano, giudizi estasiati o apertamente denigratori a seconda delle tendenze politiche dello scrivente; sebbene s'intraveda quasi sempre un'ammirazione che neppure l'antipatia più profonda riesce a soffocare del tutto. Il presente lavoro cerca di fare un po' d'ordine, dando una sistemazione per quanto possibile chiara ed organica alle ultime scoperte sulla poliedrica sovrana e sulle sue celebrate raccolte.

La Peggy Guggheneim del Rinascimento. A pochi passi dal suo studiolo, luogo di grande suggestione ancor oggi che è stato privato di tutte le meraviglie che conteneva, Isabella d’Este è stata definita la nobildonna più colta e raffinata del suo tempo. L'occasione è stata la presentazione ieri, con il sindaco Sodano, nell’Atrio degli Arcieri de “Il collezionismo di Isabella d'Este-Gonzaga”, dello storico dell'arte Riccardo Braglia, pubblicato dalle edizioni Il Rio di Giulio Girondi. Divertimento assicurato per il pubblico che ha assistito alla conversazione tra l'autore e la sovrintendente Giovanna Paolozzi Strozzi. Il nuovo libro di Braglia ha fatto chiarezza sulle ultime scoperte e gli studi dedicati a Isabella d'Este, proponendo un viaggio appassionante e ricco di aneddoti sul collezionismo e lo splendore della vita di corte a Mantova in epoca isabelliana. «Di solito le donne collezionavano gioielli e reliquie, immagini devozionali - ha detto Braglia, da sempre ammaliato dalla figura di Isabella -. Lei invece, al pari degli uomini, amava circondarsi di opere d'arte e di anticaglie, come veniva definito l'antiquariato». (p.c.)